La Banda sonora

1. El sonido antes del sonoro

-Primeros intentos de sonorización.

Los primeros intentos de poner sonido en el cine fueron llevados a cabo por el físico francés Démeny, en el año 1893 lo que se llamó fotografía parlante y por Charles Pathé que combinó fonógrafo y cinematógrafo. En 1902, se presentó un sistema de sonorización de películas en la Exposición Universal de París, desarrollado por León Gaumont. En 1918, hubo otro intento con el sistema TriErgon que permitía la grabación directa, pero en 1923 fue cuando surgió el sistema definitivo, el Phonofilm, creado por Lee de Forest y que permitía resolver los problemas de sincronización y amplificación de sonido, ya que lo grababa encima de la misma película; y grabó un corto de 11 minutos de Concha Piquer, que se considera la primera película sonora en español.

En 1927, Warner BROS, aplicó el nuevo sistema de sonido. Se incorporó por primera vez ruidos y efectos sonoros. La película sonora más exitosa fue El cantante de jazz (1927) en la que Al Jolson se inmortalizó pronunciando las palabras inaugurales: «ustedes aún no han escuchado nada». Ante el éxito, pronto todos los grandes estudios montaron sus propias películas sonoras, y el cine mudo quedó olvidado.

-La música en el cine hasta los años 30.

Cuando el cine era mudo, el  público pedía sonido a las imágenes que veía, y esto se llevaba a cabo mediante una pequeña banda de música que tocaba a la vez que se veía la película, o por medio de pianos o fonógrafos. Estas músicas no se ponían para acompañar a la acción, sino para disimular el ruido que producían las bobinas de las cintas. Poco después es cuando se plantea escoger los temas musicales en función de lo que se está viendo en la pantalla.

En 1908, surgió, la primera banda sonora original de la Historia del Cine, utilizada para reforzar la expresividad en determinados acontecimientos de la película. En esta fecha, dos compositores, Camille Saint-Saëns y Mihail Ippolitov-Ivanov, crearon varias piezas para películas, lo que sirvió para que desaparecieran los acompañamientos musicales en vivo del periodo del cine mudo y comienza a crearse música específica para las películas.

Así, los años 30 se caracterizan por un mayor desarrollo de la música en el cine. Ya no se usaban los acompañamientos sonoros durante toda la película, si no que se usaba únicamente para añadir expresividad en algunos momentos. La primera película que demostró lo que se podía llegar a hacer con una partitura original totalmente sincronizada con las imágenes fue “King Kong”.

2. El cine sonoro: una nueva forma de expresión

– Elementos de la banda sonora.

La palabra: Se utiliza con más frecuencia en el diálogo, además de otras aplicaciones como el comentario o “voz en off” y los monólogos. Tiene un gran poder significativo en la imagen audiovisual.

La música: Por su fuerza expresiva, la música sirve para la asociación con la imagen para crear el ambiente determinado, exponer situaciones sin explicación verbal, dar fluidez al desarrollo de los acontecimientos, intensificar los sentimientos que se desean transmitir y enlazar planos o secuencias.

Efectos sonoros o ambientales: Contribuyen a la sensación de realismo. Los ruidos marcan la acción y evocan la imagen.

Silencio: Forma parte de una banda sonora bien como pausa (entre diálogos, ruidos y música) o bien como recurso expresivo propio (para provocar dramatismo, angustia, etc). En ocasiones, el silencio puede ser más expresivo que la palabra o el soporte musical.

– El paso del mudo al sonoro:

El cine mudo tenía tres importantes problemas que persistían llevando a las imágenes en movimiento y al sonido grabado a tomar caminos separados durante una generación:

Sincronización – La imagen y el sonido se grababan y reproducían por aparatos separados, que eran difíciles de comenzar y mantener en sincronización.[5]

Volumen de reproducción – Mientras que los proyectores de imágenes en movimiento pronto permitieron que el cine se mostrara a audiencias más grandes de teatro, la tecnología de audio, antes del desarrollo de la amplificación eléctrica, no podía sobresalir para llenar grandes espacios.

Fidelidad de la grabación – Los sistemas primitivos de la era producían sonido de muy baja calidad, a no ser que los intérpretes estuvieran colocados directamente en frente de los voluminosos aparatos de grabación, imponiendo serios límites en el tipo de películas que podían crearse con sonido grabado en directo.

A partir de 1920, comienzan a utilizarse los nuevos sistemas de cine sonoro y se consigue corregir estos errores, desarrollando una evolución del cine, y el paso de mudo al sonoro que significó un gran cambio en la historia del cine. A principios de la década de los 30, ya estaba implantado el cine sonoro y empieza una nueva era para el cine.

-La música de cine a partir de la década de los 30

Al inicio de la década de los 30 comienza a tener un gran protagonismo las obras musicales para el cine y grandes maestros salen a componer piezas  que marcarían la historia de la banda sonora. Es cierto que no tenían los medios técnicos que hoy existen, pero la música era pura en su esencia, y las obras eran nada más y nada menos que los grandes clásicos de la historia.

A partir de los años 30 el dispositivo técnico del sonido se perfecciona, el lenguaje audiovisual comenzó a enriquecerse. Ahora el sonido permite nuevos efectos dramáticos: voz en off, potenciación del espacio fuera de campo, etc. Las películas se hacen narrativamente más fluidas, desaparecen muchos recursos reiterativos, los rótulos, etc; aspectos que aligeran la narrativa cinematográfica. William Fox fue el primero que se atrevió a realizar una película sonora en exteriores con En el viejo Arizona (1928); y por otro lado, Michael Curtiz, se valió de una plataforma con las ruedas bien engrasadas y se atrevió a filmar los primeros travelling del cine sonoro. A mediados de la década asistimos a nuevos movimientos de cámara. Hay cambios en las técnicas de producción y mayor especialización profesional. Fue importante la aportación de autores como Mamoulian ( Aplauso de 1935, en la que se recreaba un largo paseo por el puente de Brooklyn), Lewis Milestone (The front page de 1931, que transcurre en la redacción de un periódico y en la que utiliza una movilidad continua de la cámara), Paul Fejos( Broadway de 1929, en la que hizo construir una grúa gigante para la toma de vistas). Tres películas capitales fueron Aleluya (1930) , Bajo los techos de París (1930) y El ángel azul (1930).

Respecto a las consecuencias económicas, aumentan los beneficios porque es un sistema muy rentable, el cine necesita grandes inversiones, compra de patentes y equipos, adaptar las salas de exhibición y los estudios. Se llegó a blindar las cámaras ya que hacían ruido al grabar y la banca empieza a intervenir aún más en el cine, este dependerá cada vez más de los grandes grupos financieros.

Acerca de la exportación de las películas nos encontramos con el problema del idioma. Estados Unidos tiene la mayor parte de su público fuera de su país. Se trató de resolver con el rodaje de diferentes versiones de cada película en varios idiomas. Se hicieron múltiples versiones, con diferentes actores y diferentes idiomas, esto supuso que muchos sectores emigraran a trabajar a Hollywood en esta etapa. Se prueba con películas subtituladas, pero no tuvieron mucho éxito. Tanto producir la misma película en varios idiomas como llevar los centros de producción en cada país era muy costoso así la solución definitiva fue el doblaje de las películas.

3. Algunos nombres en la música de cine

-José Nieto: En 1987 compuso la música del largometraje El Lute: camina o revienta, de Vicente Aranda, con quien seguiría colaborando en varias películas más. Para la televisión ha compuesto sobre todo la música de series españolas, tanto documentales (El arca de Noé), como de reconstitución histórica (Teresa de Jesús, Los jinetes del alba).

2000 Mejor música original Sé quién eres  Ganador

1994 Mejor música original La pasión turca  Ganador

1992 Mejor música original El maestro de esgrima  Ganador

1991 Mejor música original El rey pasmado  Ganador

1990 Mejor música original Lo más natural  Ganador

1987 Mejor música original El bosque animado Ganador

-Alberto Iglesias: (nacido en San Sebastián, 1955) es un compositor español. Ha escrito la música para diversas películas de cine españolas y extranjeras, muchas de ellas dirigidas por el cineasta manchego Pedro Almodóvar Fue nominado por primera vez para el premio Óscar por su trabajo en la película El jardinero fiel the Constant Gardener), (2005) y por segunda vez por su trabajo en la película Cometas en el cielo (The Kite Runner), (2007). Ha ganado además muchos otros premios y reconocimientos nacionales e internacionales, entre los que destacan sus muy numerosos premios y nominaciones a los Premios Goya de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España

2009- Los Abrazos Rotos (ganador) Premios del cine europeo

Nino Rota: Altamente dotado, estudió en Roma con Alfredo Casella e Ildebrando Pizzetti, entre otros. Profesor del Liceo Musical de Bari desde 1939, del que llegaría a ser director, desarrolló una doble carrera como compositor de bandas sonoras de cine y compositor de música clásica

Para el Oscar estuvo nominada la partitura de Nino Rota de El padrino en 1972, pero la Academia la cambió por la La huella de John Addison debido a que la música había sido utilizada por Rota en otra película, Fortunella (1958).

Sin embargo, la música de El padrino II, compuesta por Nino Rota junto a la mínima aportación de Carmine Coppola, padre de Francis Ford Coppola, fue nominada y ganadora del Oscar dos años después.

Ennio Morricone: Es uno de los más conocidos compositores cinematográficos, gracias sobre todo a la música de los “spaghetti western”, pero también gracias a las bellas melodías de Días del cielo, La misión o Cinema Paradiso.

También ha compuesto obras para series de televisión; entre las más conocidas están Moisés, Marco Polo, La Piovra o El secreto del Sahara.

Compuso la marcha de la Copa Mundial de FIFA Argentina 1978.

Ennio Morricone ha vendido 40 millones de álbumes.

Henry Mancini: Será recordado por la música que acompaña a la Pantera Rosa (por la que ganó un Grammy) y por su colaboración en las comedias de Blake Edwards, en la que destaca la canción “Moon River” (de Desayuno con diamantes). Además fue el creador de los temas de varias series de televisión como La pantera rosa (dibujos animados), Remington Steele (con Pierce Brosnan), El pájaro espino o Peter Gunn, entre otras.

Estuvo nominado al Óscar en 17 ocasiones, obteniéndolo en cuatro, con Desayuno con diamantes (1962) en el apartado de mejor banda sonora original y mejor canción (“Moon River”), Días de Vino y Rosas (1963), en el de mejor canción, y en el apartado a la mejor adaptación musical de Victor Victoria. También fue nominado en muchas ocasiones para los más importantes premios, habiendo ganado 20 Grammy y un Globo de Oro.

John Barry: es normalmente conocido por tener un estilo que se basa en el extensivo uso de los Instrumentos de Viento-Metal y en las cuerdas exóticas, a la par de ser un músico innovador siendo de los primeros en utilizar Sintetizadores en una partitura fílmica (On Her Majesty’s Secret Service). La orquestación de Barry combina la sección de las trompetas con la de las cuerdas creando un sonido fácilmente reconocible. La música de Barry normalmente realza la respuesta del publico hacia un filme como más notablemente se puede ver en “Midnight Cowboy”, “Out of Africa”, y “Dances with Wolves”

De 7 candidaturas a los Óscar, ha ganado 5 estatuillas: Nacida libre (1966), por la que ganó el premio en las categorías de Mejor banda sonora y Mejor canción; El león en invierno (1968); Memorias de África (1985) y Bailando con lobos (1990).

Elmer Berstein: Se inició en la música cinematográfica como discípulo de Jerome Moross, Alex North y el propio Aaron Copland.

Sus composiciones cinematográficas alternan el estilo jazzístico y el sinfónico, siendo muchas de sus melodías muy recordadas, como Los siete magníficos (1960) o La gran evasión (1963), y también otras composiciones como El hombre de Alcatraz (1962) o Marie Ward (1984).

Su hijo Peter Bernstein también se dedica a la composición de música para el cine y televisión.

Ganó un Premio Óscar por Millie, una chica moderna (1967), de las 10 ocasiones en que fue candidato.

Compuso también la música para la National Geographic.

Miklos Rozsa: En 1934, su amigo, el compositor Arthur Honegger, lo introduce en la música cinematográfica. Se traslada posteriormente a Londres para perfeccionar su arte y de allí, su amigo y compatriota Alexander Korda, lo lleva a Hollywood para participar en la música de la película The Thief of Bagdad (1940). Permanecerá en California por el resto de su vida, aportando su música a más de 100 películas.

Fue nominado al Premio Óscar en 16 ocasiones, obteniéndolo en 3 ocasiones por Recuerda (1945), Doble vida (1947) y Ben-Hur (1959).

 

 

 

 

 

 

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